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Kunst + Design. Witz, Humor und WOW

SalonAD.1-Molly-Hatch-Todd-Merrill-Studio
SalonAD.1-Molly-Hatch-Todd-Merrill-Studio

In New York trafen sich Tausende Kunstkenner, Sammler, Galeristen (und ihre Mitarbeiter) und Innenarchitekten in der Park Avenue Armory, um Geld für wohltätige Zwecke zu sammeln.

An einigen kalten Novemberabenden in New York kamen Tausende von gut betuchten Kunstkennern, Sammlern, Galeristen (und ihren Mitarbeitern), Innenarchitekten und anderen, die eine großartige Cocktailparty und atemberaubende Kunstgegenstände mögen, im Park zusammen Avenue Armory an OMG, OOO und AhAha über Originalarbeiten von großer Schönheit (und großartigen Preisen), um Geld für wohltätige Zwecke (einschließlich der Dia Art Foundation und Planned Parenthood NYC) zu sammeln. Ruinart, Goyard, Lalique und InCollect nahmen als Event-Sponsoren teil.

Sechsundfünfzig Galeristen aus elf Ländern (einschließlich der USA, Europa, Großbritannien, Deutschland, Belgien, Frankreich, Dänemark, Italien, Monaco, den Niederlanden, Südafrika, Spanien und Schweden) aus 11 internationalen Galerien präsentierten einen globalen Ansatz zur Moderne. Der Salon zeigte (zum Kauf und zur Bewunderung) historische, moderne und zeitgenössische Möbel, originelle Designs und Kunst des späten 30. bis 19. Jahrhunderts.

 Wert der Kreativwirtschaft

Im Jahr 2015 betrug der Wert der Kunst- und Kulturproduktion in den USA 763.6 Milliarden US-Dollar, was 4.2 Prozent des Bruttoinlandsprodukts entspricht. Die Künste trugen mehr zur Volkswirtschaft bei als das Baugewerbe, der Bergbau, Versicherungen, Unterkünfte und die Gastronomie.

  • Kreative Künstler sind in den USA ein wirtschaftliches Kapital. Dank der Künstler hatten die USA 2015 einen Handelsüberschuss von 20 Milliarden US-Dollar für Kunst- und Kulturgüter (Amerika exportierte 63.6 Milliarden US-Dollar und importierte 42.6 Milliarden US-Dollar für Kunst und Kultur).

 

  • Verbraucher der Kreativwirtschaft geben über 102.5 Milliarden US-Dollar für Kunst aus, einschließlich Waren und Dienstleistungen, Eintrittskarten, Essen, Unterkunft und Geschenke (2017).

 

  • Der Kunst- und Kultursektor bietet eine große Anzahl von Arbeitsplätzen (4.9 Millionen im Jahr 2015), was 3 Prozent aller Arbeitsplätze in den USA entspricht, die zusammen 372 Milliarden US-Dollar an Arbeitnehmer zahlten.

Staaten gedeihen aus den Künsten

Unter den Staaten machen die Künste mit 7.9 Prozent oder 35.6 Milliarden US-Dollar den größten Teil der Wirtschaft Washingtons aus. Die kalifornische Kunstwirtschaft stützt sich auf die Film- und Fernsehindustrie und liefert mit 174.6 Milliarden US-Dollar (7 Prozent) das meiste Geld unter den Bundesstaaten.

New York liegt in beiden Kategorien an zweiter Stelle. Die Künste bringen der Wirtschaft 114.1 Milliarden US-Dollar (7.8 Prozent) ein. Die 462,584 Kunstarbeiter des Staates verdienten insgesamt 46.7 Milliarden US-Dollar (2015).

Delaware stützt sich am wenigsten auf die Künste, die nur 1.3 Prozent der Wirtschaft des Staates ausmachen, oder 900 Millionen Dollar.

Die Veranstaltung: Die Salon Art + Design Show

Da viele Künstler auf dieser Veranstaltung ihre neuesten Werke präsentieren, steht sie ganz oben auf der „To Do“ -Liste der Kunstwelt. Ich hätte gerne fast jedes Stück erworben, das ausgestellt wurde, aber Zeit, Raum und begrenzte Ressourcen verbieten diese Aktivität. Ich kann jedoch einige meiner Lieblingssachen empfehlen.

Kuratierte Auswahl

  1. Molly Hatch. Todd Merrill & Associates Studio. New York

Molly Hatch bringt das WOW in die zeitgenössische Kunst. Sie hat ein Klischee (in den 1940er Jahren beliebtes Wandgemälde) verwandelt und das Konzept in sammelbare Kunstwerke verwandelt, die zum tausendjährigen Lebensstil passen (mobil, uneingeschränkt und veränderlich).

Das Aufhängen von Tellern war eine traditionelle Art, dekoratives Geschirr auszustellen, und war Teil vieler Kulturen von Europa bis Asien. Vor Jahrhunderten war die aufwändige Ausstellung von Tellern in einem Haus ein Zeichen für Wohlstand und hohen sozialen Status.

Heute entwirft Hatch ihre Teller so, dass sie an die Wände gehängt werden, damit sie beobachtet und bewundert werden können. Ihr übergroßer und farbgetriebener Gaumen ermutigt die Zuschauer, zu überdenken, was neu ist und was jetzt ist. Was gewöhnlich war, ist jetzt außergewöhnlich.

Hatch wurde 1978 geboren. Ihre Mutter war Malerin und ihr Vater Bio-Milchviehhalter. Sie studierte Zeichnen und Keramik und erhielt ihren BFA von der Museum School in Boston, MA. Nach dem College arbeitete sie mit der Töpferin Miranda Thomas in Vermont und die Keramikresidenzen in den USA und Westindien wurden fortgesetzt. Ihr MFA in Keramik ist von der University of Colorado, Boulder. 2009 erhielt sie die Kunst- / Industrieresidenz für Töpferei am John Michael Kohler Arts Center in Wisconsin.

Hatch arbeitet derzeit in ihrem Heimstudio in Northampton, MA. Neben Keramik ist sie Schriftstellerin, Künstlerin und Designerin und kreiert Stoffmuster, Möbel, Schmuck, Drucke, Federzeichnungen und Gemälde. Sie ist inspiriert von historischen Trends in den Bereichen Stoff, Schrift, Keramik und Möbel und erkennt einen zeitgenössischen Lebensstil an, der Anspielungen auf Hip-Hop, Indie-Songtexte, Textnachrichten und gesammelte Kolloquien umfasst.

  1. Hubert Le Gall. Galerie des XNUMX. Jahrhunderts

Maxou Sessel (2018)

 

Der französische Designer Hubert Le Gall wurde 1961 in Lyon geboren. Er studierte Management am College und zog nach seinem Abschluss nach Paris (1983). 1988 begann er zu malen und zu formen, entwarf Möbelstücke, die Grenzzieher waren, und verband das Poetische und die Fantasie mit dem Funktionalen.

Er ist inspiriert von dem, was surreal ist, aber mit Flüstern (und Rufen) zu griechischen und römischen Zivilisationen, dem französischen 18. Jahrhundert, dem Imperium, dem Jugendstil und dem Art Deco. Er wurde auch von Salvador Dali, Jean Cocteau, den Surrealisten und Max Ernst inspiriert.

Seine Arbeit erhielt 1995 internationalen Beifall, als er von der Galeristin Elisabeth Delacarte entdeckt und gefördert wurde. Seine erste Ausstellung war in der Pariser Galerie Avant-Scene und die ausgestellten Werke (einschließlich Gänseblümchen-Tische und Blumenkommoden) wurden als seine Unterschriften geschätzt.

  1. Rich Mnisi. Südafrika

 

Der in Südafrika geborene Rich Mnisi gründete sein Unternehmen im Jahr 2014. Er gilt als führend in der Wissenschaft der Mode und wurde als junger Designer des Jahres von Africa Fashion International (2014) ausgezeichnet.

Mnisis verführerische Lederliege nimmt die Form von Nwa-Mulamulas (The Guardian) an, die die Anwesenheit seiner Urgroßmutter darstellt. Es ist ihre Existenz und ihre Lehren, die durch Geschichtenerzählen von Generation zu Generation für immer Bestand haben. Der Hocker in Form eines Auges mit goldenen Pfützen “… repräsentiert ihre Tränen, die niemals umsonst waren. Ohne ihren Schmerz und ihre Erfahrungen würde ich nicht existieren. Ich konnte nicht die Person sein, die ich heute bin “(Rich Mnisi).

Die sinnlichen Formen sind zeitlos und ihre Essenz ist einzigartig afrikanisch und gleichzeitig universell faszinierend.

  1. Reinaldo Sanguino. Future Perfect Gallery. New York City.

 

Reinaldo Sanguino wurde in Venezuela geboren und arbeitet derzeit in New York City. Seine Kunst- und Keramikstücke sind eine Hommage an die Lebendigkeit seiner Umgebung und jedes Einzelstück verwendet das Medium Ton sowohl als Struktur als auch als Leinwand.

Sanguino absolvierte die Schule für Bildende Kunst Cristobal Rojas in Caracas, Venezuela. Er entwickelte seine Technik basierend auf seinem Interesse an Meissener Porzellan und seiner Bedeutung für die europäische Geschichte. Er ist inspiriert und beeinflusst von der Malerei im Graffiti-Stil und seine Arbeit zieht aufgrund der lebendigen Farben, Texturen und formbaren Materialien Aufmerksamkeit auf sich.

2007 war er Nominierter für den Louis Comfort Tiffany Biennial Award und einer der Künstler, die an der 5. Ausgabe 2007-2008 der El Museo Del Barrio Biennale „The (S) Files“ in New York City teilnahmen.

Sanguinos Werke wurden im Rahmen des Dean Project New York in der Sultan Gallery ausgestellt. das Museum of Arts & Design, New York; das Museum of Fine Arts, Houston, Texas; das MINT Museum in Charlotte, North Carolina und das Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, Minnesota. Er gab sein Design Miami / Debüt mit The Future Perfect (2017).

  1. Pamela Sabroso & Alison Siegel. Heller Galerie. New York

Pamela Sabroso erhielt ihren BFA in Handwerks- und Materialwissenschaften von der Virginia Commonwealth University (2007) und Alison Siegel erhielt ihren BA in Bildender Kunst von der Alfred University (2009). Derzeit leben und arbeiten sie in Brooklyn, New York.

Sie begannen 2014 mit der Zusammenarbeit und stellten fest, dass ihre Ideen durch Zeichnungen, Diskussionen und die Körperlichkeit einer engen Zusammenarbeit entstehen und verschmelzen. Gemeinsam sind sie abenteuerlustig und verleihen jedem Objekt, das sie kreieren, eine neue, frische und einzigartige Qualität. Die letzten Arbeiten sind lustig, clever, animiert, unkonventionell und liebenswert. Sie arbeiten definitiv im 21. Jahrhundert und teilen eine kreative Freiheit, die ihre Wurzeln in der frühen amerikanischen Studio Glass-Bewegung hat.

Die arbeitsintensiven Arbeiten beginnen mit der Herstellung von Teilen und Wachsformen zum Glasblasen und erstrecken sich auf das Glasblasen. Sabroso besprach ihre Arbeit mit Siegel: „… um kreativ zu sein, muss man sich erlauben, verletzlich zu sein. Wenn Sie ehrlich sind, wer Sie sind, enthüllen Sie eine einzigartige und seltsame Perspektive. Unsere kombinierten Kreationen sind Stranger Together. “

  1. Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg Bildende Kunst. New York

Frank Lloyd Wright (1867–1959)

Wright wurde in Richland Center, Wisconsin (1867) geboren. Während seiner 70-jährigen Karriere als Architekt schuf Wright über 1100 Entwürfe. Obwohl er an die University of Wisconsin (1885) ging und dort Bauingenieurwesen studierte, wurde er bald mit diesem Bereich unzufrieden. Als er für Joseph Silsbee am Bau der Unity Chapel arbeitete, erkannte er seine Leidenschaft für Architektur, zog nach Chicago und lernte bei dem Architekturbüro Adler and Sullivan, das direkt mit Louis Sullivan (1893) zusammenarbeitete.

Anschließend zog er nach Oak Park, Illinois, und begann von seinem Heimstudio aus zu arbeiten. Dort entwickelte er ein Designsystem, das aus Gittereinheiten mit Schwerpunkt auf natürlichen Materialien entwickelt wurde und als Prairie School of Architecture bekannt wurde.

In den 1920er bis 1930er Jahren unterrichtete und schrieb er. 1935 begann er mit der Arbeit an Fallingwater, seinem berühmtesten Wohndesign. In den 1940er bis 1950er Jahren konzentrierte er sich auf usonianische Entwürfe, die seinen Glauben an demokratische Architektur widerspiegelten und bürgerliche Wohnmöglichkeiten boten.

1943 entwarf er das Solomon R. Guggenheim Museum in NYC. Das Museum wurde 1959, sechs Monate nach seinem Tod, eröffnet und gilt als sein bedeutendstes Werk.

Die Bernard Goldberg Fine Arts Gallery in New York wurde 1998 von einem New Yorker Anwalt gegründet. Heute ist die Galerie auf amerikanische Kunst (1900-1950) spezialisiert, darunter Gemälde, Skulpturen und Arbeiten auf Papier von Ashcan, Modernist, Urban Realist, Social Realist und Regionalist.

Die Hoi Polloi, die an der Veranstaltung teilnehmen

 

Suchen Sie im November 2019 nach dem Salon. Reservieren Sie frühzeitig… dies ist eine herausragende Veranstaltung für alle, die die Welt der Kunst und des Designs faszinieren.

© Dr. Elinor Garely. Dieser Copyright-Artikel, einschließlich Fotos, darf ohne schriftliche Genehmigung des Autors nicht reproduziert werden.